La Cápsula del Tiempo del Jacks: La Música en 1965

1965 fue un año de enormes contrastes. Mientras la Guerra Fría mantenía al planeta dividido, Estados Unidos aumentaba considerablemente su participación militar en la guerra de Vietnam. En marzo comenzaron los grandes bombardeos estadounidenses sobre Vietnam del Norte y las primeras unidades de combate de los Marines desembarcaron en Da Nang, iniciando una escalada bélica que marcaría profundamente los siguientes años.

La guerra provocaba al mismo tiempo una creciente respuesta dentro de la sociedad estadounidense. Universidades y ciudades comenzaron a convertirse en escenarios de manifestaciones contra la intervención en Vietnam, y aquella oposición acabaría encontrando en la música uno de sus principales vehículos de expresión. Folk, rock y canción protesta comenzaron a compartir cada vez más un mismo espacio generacional.

Estados Unidos vivía también otro momento decisivo en la lucha por los derechos civiles. En marzo, Martin Luther King Jr. y miles de manifestantes protagonizaron las históricas marchas de Selma a Montgomery, reclamando el derecho efectivo al voto de los ciudadanos afroamericanos. Meses después, el presidente Lyndon B. Johnson firmó la Voting Rights Act de 1965, una de las legislaciones fundamentales del movimiento.

La carrera espacial seguía proporcionando imágenes que pocos años antes habrían pertenecido únicamente a la ciencia ficción. El 18 de marzo de 1965, el cosmonauta soviético Alekséi Leónov abandonó durante unos minutos la nave Vosjod 2 y se convirtió en el primer ser humano que realizó un paseo espacial. Estados Unidos respondería en junio con Edward White, primer astronauta estadounidense en caminar por el espacio.

Pero 1965 también fue extraordinario para la cultura popular. El rock estaba dejando de ser simplemente música juvenil para convertirse en una de las grandes fuerzas culturales de su tiempo. The Beatles continuaban ampliando los límites del pop, The Rolling Stones conquistaban definitivamente Estados Unidos y Bob Dylan conectaba la tradición folk con el lenguaje eléctrico del rock.

La transformación quedó simbolizada el 25 de julio de 1965 en el Newport Folk Festival, cuando Bob Dylan apareció acompañado por una banda eléctrica. Aquel concierto, recibido entre entusiasmo y controversia, se convirtió en uno de los episodios más famosos de la historia del rock y representó el nacimiento de una nueva relación entre el folk, el rock y la contracultura.

También cambiaba la dimensión de los conciertos. El 15 de agosto, The Beatles actuaron en el Shea Stadium de Nueva York ante más de 55.000 personas. El espectáculo demostró que el rock podía abandonar teatros y salas para instalarse en enormes recintos deportivos, anticipando la futura era de los conciertos en grandes recintos

Repasada por encima la situación política, social y cultural de aquel año, volvamos a subirnos a nuestra máquina del tiempo para recuperar cinco canciones fundamentales de 1965.

1ª- "Yesterday" de The Beatles

En un año en el que The Beatles llenaban estadios y la Beatlemanía parecía no conocer límites, “Yesterday” mostró una cara completamente diferente del grupo. Escrita fundamentalmente por Paul McCartney aunque acreditada, como era habitual, a Lennon–McCartney, nació de una melodía que el músico aseguró haber escuchado mientras dormía.

McCartney despertó con aquella música en la cabeza y corrió hasta un piano para no olvidarla. Durante algún tiempo utilizó como letra provisional las palabras “Scrambled Eggs” mientras intentaba averiguar si la melodía procedía realmente de su imaginación o era alguna canción que había escuchado anteriormente. Después de preguntar a diferentes músicos sin encontrar un origen conocido, comenzó a trabajar en la letra definitiva.

La canción fue grabada el 14 de junio de 1965 en los estudios EMI de Londres. Su principal particularidad es que Paul McCartney fue el único Beatle que participó en la grabación: voz y guitarra acústica acompañadas posteriormente por un cuarteto de cuerda arreglado junto al productor George Martin. Era un planteamiento extraordinariamente alejado de la formación tradicional de guitarra, bajo y batería del grupo.

“Yesterday” apareció en agosto en el álbum Help!. En Reino Unido no fue publicada entonces como sencillo por The Beatles, pero Capitol Records sí la lanzó en Estados Unidos en septiembre. Allí alcanzó el número 1 del Billboard Hot 100 y permaneció cuatro semanas en lo más alto.

Con el paso del tiempo su importancia no hizo más que crecer. “Yesterday” se convirtió en una de las composiciones más versionadas del catálogo de The Beatles y en una demostración temprana de que el grupo estaba dispuesto a romper los límites instrumentales y estilísticos que hasta entonces habían definido su música. La transformación que culminaría en los siguientes álbumes ya había comenzado.

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2ª- "(I Can't Get No) Satisfaction" de The Rolling Stones

Pocas canciones pueden presumir de comenzar con un riff tan inmediatamente reconocible como “(I Can't Get No) Satisfaction”. Compuesta por Mick Jagger y Keith Richards, convirtió definitivamente a The Rolling Stones en una banda capaz de disputar a The Beatles el centro de la explosión internacional del rock británico.

La historia de su famoso riff comenzó, según Richards, prácticamente entre sueños. El guitarrista se despertó durante la noche con una idea, la grabó rápidamente en un magnetófono y volvió a dormir. Cuando escuchó la cinta al día siguiente encontró unos minutos de guitarra seguidos por el sonido de sus propios ronquidos. Aquella pequeña secuencia acabaría convirtiéndose en uno de los riffs fundamentales de la historia del rock.

Otro elemento decisivo fue el pedal de distorsión Gibson Maestro FZ-1 Fuzz-Tone utilizado por Richards. El guitarrista imaginaba inicialmente aquella línea como una guía para una sección de metales, pero el sonido saturado de la grabación convenció al resto del grupo y terminó formando parte de la versión definitiva.

Publicada en Estados Unidos el 6 de junio de 1965, “Satisfaction” alcanzó el número 1 del Billboard Hot 100 y permaneció allí cuatro semanas. Poco después apareció en Reino Unido, donde también llegó al número 1. Era el gran salto internacional que The Rolling Stones necesitaban.

Pero el éxito no procedía únicamente del riff. La interpretación de Jagger transmitía frustración, deseo y rechazo hacia el consumismo y la presión publicitaria, sentimientos que conectaban perfectamente con una juventud cada vez menos dispuesta a aceptar los valores establecidos. El rock comenzaba a encontrar un lenguaje propio para expresar el descontento de una generación.

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3ª- "Like a Rolling Stone" de Bob Dylan

Si “Satisfaction” representaba la rebelión del rock, “Like a Rolling Stone” demostraba que una canción popular podía adquirir una ambición literaria mucho mayor. Bob Dylan llegaba a 1965 como una de las grandes referencias de la canción folk estadounidense, pero estaba dispuesto a escapar de cualquier etiqueta que comenzara a limitarlo.

La canción surgió de un extenso texto que Dylan escribió después de regresar de una agotadora gira por Inglaterra. De aquellas páginas fue extrayendo versos hasta construir una composición alrededor de una pregunta que se repetiría como un desafío: “How does it feel?”. El resultado era demasiado largo, demasiado eléctrico y demasiado poco convencional para las normas habituales de la radio comercial.

La grabación tuvo lugar los días 15 y 16 de junio en los estudios de Columbia en Nueva York. Durante las sesiones apareció un elemento que acabaría siendo esencial: el órgano Hammond interpretado por Al Kooper. Kooper había acudido originalmente como guitarrista y ni siquiera estaba previsto que tocara el órgano, pero consiguió incorporarse a la sesión y creó una línea que terminaría siendo inseparable de la canción.

Con una duración superior a seis minutos, Columbia dudó inicialmente de sus posibilidades comerciales. Sin embargo, una copia llegó a una discoteca frecuentada por profesionales de la industria y la reacción fue tan intensa que la compañía terminó publicándola el 20 de julio de 1965. “Like a Rolling Stone” alcanzó el número 2 del Billboard Hot 100, únicamente frenada en su camino hacia el número 1 por “Help!” de The Beatles.

Su importancia fue mucho más allá de las listas. Dylan había demostrado que una canción de rock podía superar los formatos convencionales, desarrollar una letra compleja y mantener al mismo tiempo un enorme impacto popular. El rock dejaba definitivamente de ser considerado únicamente entretenimiento juvenil y comenzaba a reclamar un espacio artístico mucho más amplio.

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4ª- "I Got You Babe" de Sonny & Cher

Entre guitarras distorsionadas y canciones cada vez más ambiciosas, 1965 también dejó espacio para uno de los dúos más reconocibles de aquella década. Sonny Bono y Cher encontraron en “I Got You Babe” la canción que los transformaría prácticamente de la noche a la mañana en estrellas internacionales.

Sonny Bono había trabajado con el productor Phil Spector y conocía bien las técnicas que habían dado forma al célebre Wall of Sound. Compuso “I Got You Babe” y construyó una producción que combinaba influencias del folk rock con una instrumentación creciente y la peculiar interacción entre las voces de Sonny y una jovencísima Cher.

La letra presentaba a una pareja joven que, pese a no disponer de dinero ni contar con la aprobación de quienes les rodeaban, encontraba seguridad en permanecer unida. Esa sencillez convirtió la canción en una especie de declaración romántica generacional perfectamente adaptada al clima cultural de mediados de los sesenta.

Publicada en julio de 1965 por Atco Records, “I Got You Babe” alcanzó el número 1 del Billboard Hot 100 durante tres semanas. También llegó al número 1 en Reino Unido y convirtió a Sonny & Cher en una de las parejas musicales más famosas del momento.

La canción sobreviviría ampliamente a aquella primera etapa del dúo. Décadas después continuaría apareciendo en películas, programas de televisión y campañas publicitarias, y adquirió una nueva dimensión cultural gracias a su utilización recurrente en la película Groundhog Day de 1993. Su introducción sigue siendo suficiente para transportar inmediatamente al oyente hasta el pop de 1965.

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5ª- "California Girls" de The Beach Boys

Nuestra cápsula de 1965 termina bajo el sol de California. Pero detrás de la luminosidad de “California Girls” se encontraba un Brian Wilson que estaba transformando rápidamente su manera de entender la composición y el estudio de grabación.

Wilson comenzó a desarrollar la música después de experimentar con LSD por primera vez durante 1965. Según recordaría posteriormente, se sentó al piano y empezó a construir el patrón musical que terminaría dando origen a la canción. Mike Love colaboró en la letra, creando un recorrido imaginario por diferentes regiones de Estados Unidos antes de regresar inevitablemente a las chicas de California.

La grabación mostró hasta qué punto Brian Wilson estaba comenzando a utilizar el estudio como un instrumento en sí mismo. Para las bases musicales recurrió a numerosos músicos de sesión de Los Ángeles asociados posteriormente con The Wrecking Crew, construyendo una producción mucho más sofisticada que el surf rock aparentemente sencillo con el que The Beach Boys habían alcanzado inicialmente la fama.

La introducción instrumental resulta especialmente reveladora. Antes de que aparezcan las armonías vocales, Wilson construye una apertura casi cinematográfica que él mismo consideraba una de sus mejores creaciones. Aquellos segundos anticipaban el camino de experimentación y complejidad sonora que alcanzaría su máxima expresión apenas un año después con Pet Sounds.

Publicada en julio de 1965, “California Girls” alcanzó el número 3 del Billboard Hot 100 y se convirtió en uno de los grandes clásicos de The Beach Boys. También apareció en el álbum Summer Days (And Summer Nights!!), publicado aquel mismo verano.

La canción representaba perfectamente una de las grandes paradojas de The Beach Boys: mientras sus armonías transmitían una imagen despreocupada de playas, juventud y sol californiano, Brian Wilson estaba desarrollando detrás de ellas una forma de producción cada vez más compleja, ambiciosa y experimental. El pop aparentemente sencillo comenzaba a convertirse en algo mucho más sofisticado.

El rock había dejado de ser simplemente la música de una generación: en 1965 empezaba a convertirse también en una de sus principales formas de expresión cultural.